《只此青绿》：一部真正的舞蹈电影

当代中国的电影，很少有纯粹展示舞蹈的。早期有《红色娘子军》《白毛女》，后面却是没有了。像《如果爱》《天台爱情》《精舞门》《你美丽了我的人生》之类的电影只能算歌舞片——有歌有舞的影片，而且大多是以歌曲和故事为主，一般也只有八段左右的舞蹈片段，时长不到电影总时长的四分之一。电影《只此青绿》却是从舞蹈舞台跨界到银幕，与国外的音乐剧如《悲惨世界》《爱乐之城》《芝加哥》之类改编成电影一样，有一定的观众基础，有独特的审美定位。这部电影上映后虽然褒贬不一，但是从艺术角度看，将舞剧以电影的形式跨界“再现”，尤其是多媒体技术的多重赋能，是一种创新性尝试；从商业角度看，剧场版《只此青绿》经过了3年“深耕”，以及全国巡演和央视、B站春晚的传播，有极好的观众基础，票房也有一定保障。

看完这部电影后，脑海中不断回荡着一句话：“还有什么艺术比舞蹈更能抒情吗？”一部90分钟的电影，除去片头片尾，正片中的平陈铺垫都很少，几乎都在抒情。《毛诗序》中说：情动于中而形于言，言之不足，故嗟叹之；嗟叹之不足，故咏歌之；咏歌之不足，不知手之舞之，足之蹈之也。古人的意思很明确，相比其他艺术手段，舞蹈是最能渲情的。《毛诗序》中的这段话在这部电影里被具象化了。电影《只此青绿》“没有一句台词”——当然除了《唱丝》篇章的唱词，没有演员对白，没有语言介绍，只有人物动作和字幕旁白，以电影的形式让舞剧在银幕再次大放异彩，让“青绿”的大众化效应更广泛更持久。于是在笔者看过电影后，产生了一些思考。

首先，电影技术的运用超脱了剧场舞台的空间。电影中多角度的拍摄、蒙太奇的剪接、动画的制作、特效手法的融入，使演员的舞蹈与现实场景融为一体，让观者脑海中的想象通过电影画面直观显现出来。

电影《只此青绿》中，展卷人跨时空的“穿越”、展卷人与希孟的“对话”共舞、男主角希孟作画时的心理外化、“篆刻人”“织绢人”等手艺人的刻画、希孟所作之画的“复活”呈现等内容，都通过电影技术赋予了更直观的视觉冲击，打破了常规剧场中的平视与单视角观赏。观众跟着电影镜头或远或近、或上或下实现多层面多角度观赏，在脑海中因观看舞蹈而产生的联想与想象，都通过电影具象的呈现出来。一如饰演“青绿”意象的领舞孟庆旸所说，“镜头非常具象，它具象到需要你的瞳孔有灵魂在此”。观者在观影时看到了脑海中的“浮想联翩”，这是一种沉浸式的视觉享受。同时舞蹈的场景也通过特效制作变得多元化，在视觉上加强了观众的情绪渲染，使之观影时沉浸在对中华传统文化的陶醉中，从文化自信到“文化膨胀”，场景的氛围感拉满。

其次，突破了舞蹈表演中虚拟象征性的特点。剧场舞蹈有虚拟象征性，不论是编导还是演员，都竭力通过剧场舞台上的一切布景、灯光、服装、音乐等为辅助，让观众的目光集中在演员动作本身，并品出“意味”。所以剧场舞蹈往往因为要以舞蹈本体吸引观众目光而简化场景布置，让观众通过对生活常识的联想才能看到“生活”。而在电影中，却需要实化场景，要第一时间于刹那将观众带入规定情境，与剧中人产生共鸣共情。

电影《只此青绿》中，场景布置和使用的道具相比舞剧版，更接近现实，如石匠攀爬山崖凿石、“青绿”舞者在水上舞蹈、希孟在雪天跪于阶梯献画等，使观众在视觉上的“在场”与心理的“不在场”的对立中又统一在观赏的画面，让观众身心合一，有“望秋云，神飞扬，临春风，思浩荡”之感。虽身在电影院，眼睛却能看到“象外之象”，心神沉浸在电影营设的意境中。

诚然，电影《只此青绿》受众群体大多是喜欢同名舞剧才去看的电影，相比整个社会的观影群体而言有一定的局限性。而且这部电影也有一些美中不足之处，比如背景乐对推动情节所起作用甚小、镜头给太多演员面部特写显得过于煽情、情节不连贯弱化了“剧”的特点等。但瑕不掩瑜，不管是给观众视听感官的审美享受，还是导演团队将中华传统文化融于艺术的深层解读，抑或是多媒体技术赋能舞蹈艺术的手段，这些都给现今舞蹈艺术的传承之道与发展之路带来些许启迪。

最后，值得思考的是同为艺术的舞蹈与电影应如何更好地融合共处，且舞蹈不被电影“喧宾夺主”。从豆瓣8.0的高评分中，可以看出大部分观影人对电影《只此青绿》的正向反馈。就此而言，这部电影已经交出了相对满意的答卷。希望后续能有更多的新作，可以将舞蹈电影这个品类提升到更高水准。